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一、克劳迪奥·蒙特威尔第（Claudio Monteverdi，1567—1643）
蒙特威尔第被公认为“歌剧之父”，也是文艺复兴向巴洛克过渡时期最关键的音乐人物。1607年的《奥菲欧》是现存最早且至今仍被频繁上演的歌剧之一，他在其中确立了歌剧的戏剧张力与情感表达原则。1610年的《晚祷》则是宗教音乐史上最宏伟的杰作之一。上榜理由：在歌剧这一意大利对世界音乐最独特的贡献上，蒙特威尔第是起点。没有他，歌剧的诞生将推迟且面目模糊。
二、安东尼奥·维瓦尔第（Antonio Vivaldi，1678—1741）
维瓦尔第将意大利巴洛克音乐推至顶峰。他确立了协奏曲的三乐章结构，尤其是小提琴协奏曲的形态，《四季》以标题音乐的手法描绘自然景象，至今仍是古典音乐中最广为人知的作品之一。他同时是一位多产的歌剧作曲家。上榜理由：维瓦尔第的《四季》是意大利音乐在全球传播最广的单一作品，而他在协奏曲形式上的贡献，为后世器乐音乐提供了可操作的模板。
三、焦阿基诺·罗西尼（Gioachino Rossini，1792—1868）
罗西尼是十九世纪初意大利歌剧的革新者。他提出“愉悦必须是这门艺术的基础与目标”，以清晰的旋律与明快的节奏重塑了喜歌剧与正歌剧的写法。《塞维利亚理发师》至今仍是意大利喜歌剧的最高典范，《威廉·退尔》序曲则成为音乐会常演曲目。上榜理由：罗西尼为贝利尼与多尼采蒂开辟了道路，美声时代的语法在他手中成型。
四、朱塞佩·威尔第（Giuseppe Verdi，1813—1901）
威尔第代表了意大利歌剧的宏伟巅峰。他一生创作二十八部歌剧，《弄臣》《茶花女》《阿依达》《奥赛罗》迄今仍是全球歌剧院上演率最高的作品。他的旋律天赋建立在对人声本质的直觉性理解之上，同时具备戏剧结构的掌控力与配器的技术光辉。上榜理由：在意大利歌剧三百年的积累之上，威尔第是集大成者。他将歌剧从“美声展示”提升为“人性戏剧”。
五、贾科莫·普契尼（Giacomo Puccini，1858—1924）
普契尼是威尔第之后意大利最伟大的歌剧作曲家。他将真实主义与浪漫抒情结合，《波西米亚人》《托斯卡》《蝴蝶夫人》《图兰朵》构成歌剧史上最持久的“票房保证”。他的配器精细而富有色彩，《图兰朵》中化用中国民歌《茉莉花》的手法展现了其对异域素材的敏感。上榜理由：普契尼是意大利歌剧传统在二十世纪的最后一位世界级大师，他的旋律天赋与戏剧直觉在《蝴蝶夫人》中达到极致。
六、盖塔诺·多尼采蒂（Gaetano Donizetti，1797—1848）
多尼采蒂与罗西尼、贝利尼并称十九世纪上半叶意大利“歌剧三杰”。他一生创作七十余部歌剧，高产且质量稳定，《拉美莫尔的露琪亚》《爱的甘醇》《唐·帕斯夸莱》分别代表了正歌剧、抒情剧与喜歌剧的高水准。上榜理由：多尼采蒂是美声唱法黄金时代的技术基石，他为男高音与女高音写下的炫技段落至今是歌唱家的试金石。
七、文森佐·贝利尼（Vincenzo Bellini，1801—1835）
贝利尼以纯粹的抒情旋律见长，年仅三十四岁去世，却留下了《诺尔玛》《梦游女》等美声经典。他的旋律线条悠长而克制，对肖邦与柏辽兹都产生了影响。上榜理由：在罗西尼的机智与多尼采蒂的多产之间，贝利尼代表了美声时代最“纯粹”的一面——旋律本身即是目的，无需戏剧或配器的辅助。
八、阿尔坎杰洛·科雷利（Arcangelo Corelli，1653—1713）
科雷利是现代管弦乐演奏的奠基人之一，他确立了巴洛克三重奏鸣曲与独奏奏鸣曲的形式，并开创了大协奏曲（concerto grosso）的体裁。他的作品虽数量不多，却为维瓦尔第与巴赫提供了形式范本。上榜理由：在维瓦尔第的光环之下，科雷利常被忽略，但协奏曲这一对西方器乐影响深远的体裁，其语法由他写成。
九、奥托里诺·雷斯庇基（Ottorino Respighi，1879—1936）
雷斯庇基是二十世纪上半叶意大利最重要的管弦乐作曲家。在“歌剧之国”的环境中，他有意识地转向器乐创作，以“罗马三部曲”（《罗马的喷泉》《罗马的松树》《罗马的节日》）奠定了国际声誉。他的配器绚丽多彩，兼具印象派色彩与新古典主义的结构感。上榜理由：雷斯庇基证明了意大利音乐不止有歌剧。他在管弦乐色彩上的成就，为意大利音乐在交响乐领域赢得了一席之地。
十、多梅尼科·斯卡拉蒂（Domenico Scarlatti，1685—1757）
斯卡拉蒂以五百五十五首键盘奏鸣曲奠定了其在音乐史上的独特地位。这些作品多为西班牙宫廷任职期间所作，融合了意大利的旋律天赋与伊比利亚半岛的节奏活力，对键盘技术进行了大量开拓性实验。肖邦视他为精神上的同类。上榜理由：在歌剧与协奏曲的主流叙事之外，斯卡拉蒂代表了意大利音乐在键盘领域的独立贡献。他的奏鸣曲是巴洛克器乐中最具个人风格的一批作品。
