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1.草间弥生
上榜理由：无限网与波点，把幻觉变成普世语言。
从1959年纽约时期的《无限的网》开始，草间弥生以密集重复的圆点与网状图案，将精神疾病带来的幻觉转化为可被观看的视觉系统。她的“自我消融”概念把身体、空间与作品融为一体，南瓜雕塑与无限镜屋则让这种极端个人化的美学成为全球辨识度最高的当代艺术符号之一。
2.村上隆
上榜理由：超扁平理论，动漫与高级艺术之间的拆墙者。
1996年提出“超扁平宣言”，将日本浮世绘、动漫、御宅族文化与西方消费文化并置，以“Mr. DOB”和太阳花等符号创造了一套属于日本当代艺术的视觉语法。他与路易威登的长期合作成为艺术商业化的典范，同时以策展与理论写作持续影响亚洲当代艺术的走向。
3.奈良美智
上榜理由：孤独的大头女孩，甜美包裹的反叛。
奈良美智以简练线条与单色背景中的大头女孩形象，把“孤独”与“疏离”提炼为一种可被普遍感知的情绪形式。他的创作根系连接着朋克摇滚的反叛精神，甜美表象下藏着不友善的目光，使作品在当代艺术与大众文化之间同时获得深度与传播力。
4.李禹焕
上榜理由：物派理论核心，让物质自己说话。
作为日本“物派”运动的主要理论家与艺术家，李禹焕主张将人为干预降至最低，以石、钢、橡胶等基础材料并置，引导观者关注物体之间、物与场域之间的关系，而非艺术家的表达。他的《始于点》《始于线》系列与“Relatum”雕塑，把东方哲学中的“间”与“关系”带入战后当代艺术的核心讨论。
5.白发一雄
上榜理由：足绘，用身体代替手去冒险。
具体美术协会核心成员白发一雄认为用手作画会过度控制，1954年起开创“足绘”：将自己悬吊于画布上方，以双脚蘸取厚重油彩来回摆荡，留下无法完全预判的痕迹。他把绘画从手的积习中解放出来，以身体的极限动作让材料与重力共同完成作品，是具体派“肉身与物质搏斗”精神最极致的体现。
6.teamLab
上榜理由：数字沉浸，让观众走进作品里。
2001年由东京大学工程学背景的猪子寿之创立，成员包括艺术家、程序员、工程师与建筑师。teamLab以数字技术构建无边界、可交互的沉浸空间，作品随观众的存在与动作实时变化，打破了“作品在前、观众在后”的观看结构。它代表了日本当代艺术在技术、身体与空间关系上最前沿的探索方向之一。
7.盐田千春
上榜理由：丝线编织的记忆与不在场。
盐田千春以红、黑、白三色丝线在空间中编织出铺天盖地的巨型装置，将记忆、焦虑、梦境与沉默等无形之物转化为可穿行的视觉现场。她的创作源于个人创伤与身体经验，丝线既是羁绊也是缠绕，让“不在场中的存在”成为观众必须用身体去面对的问题。
8.会田诚
上榜理由：新日本主义的挑衅者，美与暴力的并置。
会田诚与村上隆同被视为“新日本主义”代表，但他选择了一条更具挑衅性的路径：以漫画感的语言呈现少女、战争、暴力与性，用“美丽与怪诞”的强行并置挑战日本社会对“美”与“纯洁”的固有认知。他的作品不提供舒适的观看，而是迫使观者直面当代日本文化中那些被压抑的矛盾。
9.横尾忠则
上榜理由：日本的安迪·沃霍尔，拼贴迷幻的波普先锋。
横尾忠则以拼贴、迷幻与波普风格在1960年代日本先锋文化圈崭露头角，将浮世绘、漫画线条、和服纹样与西方波普艺术混合，创造出一种“反现代主义”的视觉语言。他被称作“日本的安迪·沃霍尔”，其平面设计与绘画深刻影响了此后亚洲视觉文化的走向。
10.宫岛达男
上榜理由：LED计数器，用数字追问生与死。
1980年代末，宫岛达男确立以发光二极管计数器为核心媒介，数字在1到9之间循环、0从不出现，象征生命的持续与死亡的不可见。他的《时间之海》《巨型死亡》等大型装置，把技术元件转化为关于时间、永恒与人类有限性的冥想空间，是日本当代艺术中技术哲思的代表人物。
